Um dos principais museus de Madrid é o Museu do Prado. Ele forma, junto com os vizinhos Centro de Arte Reina Sofia e o Museu Thyssen-Bornemisza, o Triângulo de Ouro da arte de Madrid (Patrimônio UNESCO desde 2021). Ao mesmo tempo, o Paseo del Prado, juntamente com o Parque do Buen Retiro e o Bairro dos Jerônimos que os abriga, é uma paisagem cultural patrimônio mundial da Unesco, que, na ocasião desta distinção, foi batizada de Paisaje de la Luz.
- A origem da coleção do Prado
- Obras do Museu do Prado
- Fra Angelico – Anunciação (1425-1428)
- Botticelli – Cenas de Nastagio degli Onesti (1483)
- Ticiano – O culto de Vênus (1518-1519)
- Ticiano – Vênus e Adônis (1554)
- Caravaggio – Davi vencedor de Golias (cerca de 1600)
- El Greco – A adoração dos pastores (1612-1614)
- Rubens – As três Graças (1630-1635)
- Velázquez – Las Meninas (1656)
- Goya – A Maja nua e a Maja vestida (1800-1808)
- Goya – A fuzilação (1814)
- Horários do Museu do Prado
- Ingressos para o Museu do Prado
O acervo do Prado conta com mais de 21.000 obras, entre pinturas, desenhos, gravuras e esculturas. Aproximadamente 1.300, principalmente pinturas, estão atualmente em exposição. Para evitar literalmente uma overdose de arte, este artigo é uma proposta de visita através de dez obras-primas expostas, para captar a essência da coleção e garantir que você não perca as obras mais significativas. Você também pode encontrar no FullTravel algumas dicas sobre como se locomover em Madrid gastando pouco e como visitar a capital espanhola em dois dias.
A origem da coleção do Prado
O edifício que abriga o Museu do Prado data de 1785 e era originalmente destinado à coleção de história natural. Em 1819, por iniciativa do rei Fernando VII e da esposa Isabel de Bragança, foi transformado em Museu de pintura e escultura. O núcleo original da coleção era a rica coleção de arte pertencente à casa real, então composta por 1.510 obras.
A escolha de Fernando VII está alinhada com o que acontecia em outros estados no mesmo período (por exemplo, na França com a criação do Louvre): expor ao público as coleções reais significava compartilhar com o povo, para fins de estudo ou simplesmente de prazer, um enorme patrimônio cultural. No caso específico do Prado, a casa real também queria demonstrar ao mundo o valor dos artistas espanhóis, geralmente menos conhecidos que outros artistas europeus.
Alguns Mestres, como Velázquez, Ticiano, Rubens e Goya, estão presentes com um número significativo de obras, já que trabalharam diretamente para a corte espanhola. A coleção de obras de Goya do Prado, em particular, é a mais importante do mundo, em quantidade e qualidade. As pinturas de outros artistas, especialmente italianos e flamengos, foram coletadas pelos membros da família real ao longo dos séculos. Um caso à parte é El Greco, que, apesar de não ter sido particularmente patrocinado pela corte, está justamente presente com um número significativo de obras, dada sua relevância no panorama cultural espanhol.
Obras do Museu do Prado
A Anunciação era a cena central de um retábulo do Convento de São Domingos em Fiesole, onde Fra Angelico servia como frade e para o qual o pintor também havia realizado outras obras.
O quadro está dividido em duas partes: à esquerda, a expulsão de Adão e Eva do paraíso terrestre; à direita, o anjo anuncia a boa nova a Maria que, ao mesmo tempo, é atingida pela luz divina. A narrativa representa a passagem do pecado à redenção, com Adão e Eva destinados à danação eterna, cuja única salvação é o nascimento de Cristo, possibilitado por Maria. Os dois momentos são claramente distintos graças também ao cenário muito diferente. O jardim do Éden é exuberante e pintado com grande detalhe. Nele se destacam uma palmeira e rosas vermelhas, símbolos respectivamente do martírio e da Paixão. Maria está inserida em um espaço arquitetônico, um pórtico renascentista que também é o elemento de perspectiva da composição.
Os três painéis expostos no Prado fazem parte de um ciclo de quatro pinturas encomendadas a Botticelli como presente de casamento para os esposos florentinos Giannozzo Pucci e Lucrezia Bini. A história de Nastagio degli Onesti é contada no Decamerão de Boccaccio e foi escolhida para caracterizar um presente de núpcias porque é uma história de amor com final feliz. Nastagio, de fato, é rejeitado pela mulher por quem é apaixonado e por isso fuga para a floresta fora de Ravena, onde assiste à pena infernal infligida a outra mulher que havia rejeitado seu amante. Como essa cena violenta se repete toda sexta-feira, Nastagio decide convidar para jantar na floresta a mulher que o rejeitou e sua família. Quando os convidados veem diante de seus olhos a mulher sendo perseguida e dilacerada por cães ferozes, a moça que havia rejeitado Nastagio muda de ideia e consente o casamento. O painel faltante, conservado em coleção privada, retrata o banquete nupcial do casal.
Esta obra é atribuída a Botticelli, mas os estudiosos concordam que o Mestre projetou a narrativa do ciclo e pintou alguns dos personagens, mas contou com a colaboração de outros dois artistas para a execução geral.
Este quadro foi encomendado por Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para seu Camerino d’Alabastro, um ambiente privado que ele queria decorado com cenas mitológicas. Para as pinturas do Camerino, Alfonso d’Este envolveu os melhores pintores da época: Ticiano, Giovanni Bellini, Dosso Dossi, Michelangelo (que não entregou o trabalho) e Rafael e Fra Bartolomeo, que morreram antes de completar suas obras, deixando apenas desenhos. Ticiano, que já havia pintado para o mesmo ambiente Baco e Ariadne (conservado na National Gallery de Londres) e O bacanal dos Andrios (exposto no Prado), teve que desenvolver esta obra a partir dos desenhos de Fra Bartolomeo.
O tema e a fonte foram escolhidos diretamente por Alfonso d’Este e se inspiram numa celebração anual na qual se levavam presentes às estátuas de Vênus. Em relação ao desenho de Fra Bartolomeo, Ticiano revoluciona a composição, colocando a estátua de Vênus na extremidade direita do quadro e dedicando todo o espaço central à multidão de cupidos que brincam, colhem pêssegos e se abraçam.
Do Camerino d’Alabastro, além das duas obras de Ticiano, é possível admirar no Prado também A chegada dos troianos às Ilhas Strofades de Dosso Dossi.
Vênus e Adônis era um tema bastante popular, cujo sucesso se devia principalmente à nudez de Vênus. Em especial Ticiano, escolhendo de modo incomum pintar a deusa com as nádegas esmagadas pela posição sentada, adiciona uma carga erótica adicional à imagem.
Ticiano pintou cerca de trinta versões de Vênus e Adônis. A que está conservada no Prado é a mais antiga das sobreviventes. Ela foi encomendada por Felipe II e entregue a ele em Londres em 1554. Da correspondência entre o pintor e o soberano descobrimos que Ticiano pretendia que esta pintura fosse exposta ao lado de Danae, em que Vênus nua aparecia em frente. Desta forma, o artista queria demonstrar como a pintura, como a escultura, é capaz de explorar diferentes pontos de vista.
O mito retratado não corresponde exatamente à versão de Ovídio. Assim, como em outras obras, Ticiano faz um trabalho intelectual excepcional de integração e adaptação das fontes clássicas.
A obra representa o conhecido episódio bíblico do jovem Davi que derrota o gigante Golias, atingindo-o primeiro com uma pedra lançada com uma funda e, em seguida, decapitando-o. Caravaggio era o mestre da luz e dos claros-escuros e esta obra é uma prova desta sua notável habilidade. A luz captura o gesto físico da luta, iluminando o braço musculoso e a perna do herói e os ombros de Golias, prestes a ser decapitado. O gesto de puxar os cabelos para mostrar o rosto de Golias não está atestado na Bíblia, mas foi introduzido pelo pintor para fins narrativos.
Este quadro é considerado a última obra de El Greco. Ele a pintou para ser colocada acima de seu túmulo no convento de Santo Domingo El Antiguo em Toledo. Por isso, entre os pastores aparecem também o autorretrato do pintor e seu filho Jorge Manuel.
O tema escolhido era considerado uma metáfora da ressurreição e eternidade. As formas das figuras são distorcidas, característica comum nas obras tardias de El Greco. Os contrastes entre luz e sombras são particularmente enfatizados para aumentar o senso de dramaticidade. A principal fonte de luz é o Menino Jesus, com óbvios significados simbólicos.
El Greco, devido ao seu estilo turbulento e fortemente influenciado por temas religiosos, foi apreciado somente muito tempo após sua morte. É considerado com razão um precursor do expressionismo.
O Museu do Prado possui cerca de noventa pinturas de Rubens. O artista era, de fato, muito apreciado pelo rei Felipe IV, que lhe encomendou numerosos trabalhos para embelezar as residências reais madrilenas.
A célebre pintura das Três Graças, porém, permaneceu propriedade do artista e só após sua morte foi adquirida pelo soberano. O mito quer que as Graças fizessem parte do círculo de Afrodite e representassem os valores do amor, da beleza e da sensualidade. Por isso provavelmente Rubens pintou a obra para uso pessoal, para celebrar as alegrias de sua nova vida após o segundo casamento.
Velázquez foi o retratista da corte da Espanha por quase quarenta anos, sob Felipe IV. Las Meninas representa o auge desta sua carreira, tanto do ponto de vista técnico quanto conceitual.
A cena está ambientada numa sala do Alcázar e representa a infanta Margarida cercada pelo seu séquito de damas de companhia e servos. Em posição de destaque aparece Velázquez, empenhado a pintar. O espelho, porém, reflete a imagem dos pais de Margarida, Felipe IV e Mariana da Áustria.
A complexidade da composição a torna particularmente enigmática. A interpretação mais aceita é que Velázquez quis representar, através do gênero que o tornou famoso (o retrato), seu status profissional. Os pintores, na Espanha, eram considerados mais artesãos do que artistas, mas Velázquez conseguiu conquistar um papel de destaque na corte, tornando-se também curador da coleção real de pintura. Por isso ele se representa simbolicamente, no único autorretrato conhecido, dentro do Alcázar, cercado pela família real, demonstrando o ponto culminante de sua carreira.
O uso da imagem refletida no espelho não é novidade para o pintor, basta lembrar o rosto da célebre Vênus Rokeby. Mas nesse caso pode haver também uma referência a um tema muito atual na época, isto é, a ilusão, trazida à atenção do público pelo Dom Quixote de Cervantes.
A história dessas duas pinturas, geralmente expostas lado a lado, é bastante controversa. Ambas eram propriedade de Manuel de Godoy, secretário de estado espanhol no final do século XVIII. A Maja nua é atestada em um inventário de 1800 e era conservada em um quarto privado da residência de de Godoy junto com outras pinturas de nus, incluindo a célebre Vênus Rokeby de Velázquez, hoje exposta na National Gallery de Londres.
A Maja vestida foi pintada alguns anos depois, possivelmente para remediar uma investigação da Inquisição que, ao descobrir a versão nua, processou de Godoy e Goya. Felizmente não houve graves consequências, pois naquela época o tribunal da Inquisição já havia perdido fundamentalmente seu poder. As pinturas foram confiscadas e Goya se salvou dizendo que se inspirou nos nus mitológicos de Ticiano e na Vênus Rokeby.
Na verdade, a Maja não é um personagem mitológico, mas uma personagem popular, como demonstram também as roupas simples da segunda versão. Provavelmente trata-se do retrato de uma favorita de Manuel de Godoy.
A célebre pintura de Goya, também conhecida como 3 de maio de 1808, é uma obra que mudou a percepção da guerra na arte. Ela retrata a execução de alguns personagens populares que aderiram à resistência espanhola contra as tropas napoleônicas. Destaca-se, portanto, o contraste entre o pelotão de execução, alinhado e de quem não vemos os rostos, e a massa desordenada das vítimas. À esquerda, jacinham os corpos que já sofreram a execução (um deles mostra também a marca do tiro de misericórdia na testa). Ao centro, estão aqueles que estão prestes a ser fuzilados, entre os quais domina a figura com os braços abertos, em sinal de rendição. Finalmente, à direita, outra massa indistinta de pessoas aguarda sua vez para ser executada.
No passado, a guerra sempre fora retratada com uma aura épica. Embora não faltassem representações cruéis das vítimas, os artistas tendiam a usar sempre o estilo de pintura histórica grandiosa. Na fuzilação de Goya, porém, não há nada de heroico ou glorioso. As vítimas são pessoas comuns, há uma atmosfera de pura desesperança e a fuzilação é uma ação mecânica e repetitiva.
Esta obra de Goya, por sua narrativa inovadora, influenciou algumas pinturas posteriores, especialmente A execução do imperador Maximiliano de Manet e Guernica e o Massacre na Coreia de Picasso.
Horários do Museu do Prado
- Horário regular de funcionamento:
De segunda a sábado – das 10:00 às 20:00
Domingos e feriados – das 10:00 às 19:00
Nota: O Museu do Prado fecha nos dias 1º de janeiro, 1º de maio e 25 de dezembro. - Horário limitado: Nos dias 6 de janeiro, 24 e 31 de dezembro, o Museu do Prado abrirá das 10 às 14h
- Acesso gratuito: os visitantes podem desfrutar de acesso gratuito ao Museu do Prado nestes dias:
De segunda a sábado – das 18:00 às 20:00
Domingos e feriados – das 17:00 às 19:00
Acesso ao museu até 45 minutos antes do horário de fechamento.
Ingressos para o Museu do Prado
