Uno de los museos principales de Madrid es el Museo del Prado. Forma, junto con los cercanos Centro de Arte Reina Sofía y el Museo Thyssen-Bornemisza, el Triángulo de Oro del arte en Madrid (Patrimonio UNESCO desde 2021). Al mismo tiempo, el Paseo del Prado, junto con el Parque del Buen Retiro y el Barrio de los Jerónimos que los alberga, es un paisaje cultural patrimonio de la humanidad por la UNESCO, que con motivo de este reconocimiento fue bautizado como Paisaje de la Luz.
- El origen de la colección del Prado
- Obras del Museo del Prado
- Fra Angelico – Anunciación (1425-1428)
- Botticelli – Escenas de Nastagio degli Onesti (1483)
- Tiziano – El culto de Venus (1518-1519)
- Tiziano – Venus y Adonis (1554)
- Caravaggio – David vencedor sobre Goliat (circa 1600)
- El Greco – La adoración de los pastores (1612-1614)
- Rubens – Las tres Gracias (1630-1635)
- Velázquez – Las Meninas (1656)
- Goya – Maja desnuda y Maja vestida (1800-1808)
- Goya – Los fusilamientos (1814)
- Horarios Museo del Prado
- Entradas Museo del Prado
El patrimonio del Prado cuenta con más de 21.000 obras, entre pinturas, dibujos, grabados y esculturas. Unas 1.300, principalmente pinturas, están actualmente en exhibición. Para evitar literalmente una sobredosis de arte, este artículo propone una visita a través de diez obras maestras expuestas para captar la esencia de la colección y asegurarte de no perder las obras más significativas. En FullTravel también encontrarás algunos consejos sobre cómo moverse por Madrid a bajo costo y cómo visitar la capital española en dos días.
El origen de la colección del Prado
El edificio que alberga el Museo del Prado data de 1785 y era originalmente destinado a la colección de historia natural. En 1819, por iniciativa del rey Fernando VII y su esposa Isabel de Braganza, fue transformado en Museo de pintura y escultura. El núcleo original de la colección fue la rica colección de arte perteneciente a la casa real, que entonces consistía en 1.510 obras.
La elección de Fernando VII está en línea con lo que estaba ocurriendo en otros estados en el mismo período (por ejemplo, en Francia con la creación del Louvre): exponer las colecciones reales al público significaba compartir con el pueblo, para fines de estudio o simplemente de deleite, un enorme patrimonio cultural. En el caso específico del Prado, la casa real también quería demostrar al mundo el valor de los artistas españoles, generalmente menos conocidos que otros artistas europeos.
Algunos maestros, como Velázquez, Tiziano, Rubens y Goya, están presentes con un número significativo de obras, ya que trabajaron directamente con la corte española. La colección de obras de Goya del Prado, en particular, es la más importante del mundo, por cantidad y calidad. Las pinturas de otros artistas, especialmente italianos y flamencos, fueron coleccionadas por miembros de la familia real a lo largo de los siglos. Un caso aparte es El Greco, que, a pesar de no haber sido especialmente patrocinado por la corte, está justamente presente con un número significativo de obras dada su relevancia en el panorama cultural español.
Obras del Museo del Prado
La Anunciación era la escena central de un retablo del Convento de San Domingo en Fiesole, donde Fra Angelico servía como fraile y para el cual el pintor había realizado otras obras.
El cuadro está dividido en dos partes: a la izquierda está la expulsión de Adán y Eva del paraíso terrestre, mientras que a la derecha el ángel da la buena nueva a María que, simultáneamente, es iluminada por la luz divina. La narración representa el paso del pecado a la redención, con Adán y Eva destinados a la condenación eterna, cuyo único camino de salvación es el nacimiento de Cristo, posible gracias a María. Los dos momentos están claramente diferenciados también gracias al ambiente muy diferente. El jardín del Edén es frondoso y pintado con gran detalle. En él destacan una palmera y las rosas rojas, símbolos respectivamente del martirio y de la Pasión. María está situada en un espacio arquitectónico, un pórtico renacentista que es también el elemento perspectivo de la composición.
Los tres paneles exhibidos en el Prado forman parte de un ciclo de cuatro pinturas encargadas a Botticelli como regalo de bodas para los esposos florentinos Giannozzo Pucci y Lucrezia Bini. La historia de Nastagio degli Onesti está narrada en el Decamerón de Boccaccio y fue elegida para caracterizar un regalo nupcial porque es una historia de amor con final feliz. Nastagio, rechazado por la mujer que ama, huye al bosque fuera de Rávena donde presencia el castigo infernal infligido a otra mujer que había rechazado a su pretendiente. Como esta escena cruenta se repite cada viernes, Nastagio decide invitar a cenar en el bosque a la mujer que lo rechazó y a su familia. Cuando los invitados ven ante sus ojos a la mujer perseguida y despedazada por perros feroces, la chica que rechazó a Nastagio cambia de idea y acepta el matrimonio. El panel faltante, conservado en una colección privada, representa el banquete nupcial de la pareja.
Esta obra se atribuye a Botticelli, pero los estudiosos coinciden en que el maestro planificó la narrativa del ciclo y pintó algunos personajes, pero contó con la colaboración de otros dos artistas para la ejecución completa.
Este cuadro fue encargado por Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para su Camerino de Alabastro, un espacio privado que quiso decorar con escenas mitológicas. Para las pinturas del Camerino, Alfonso d’Este convocó a los mejores pintores de la época: Tiziano, Giovanni Bellini, Dosso Dossi, Miguel Ángel (quien no entregó el trabajo) y Rafael y Fra Bartolomé, quienes murieron antes de completar sus obras, dejando solo dibujos. Tiziano, que ya había pintado para ese mismo espacio a Baco y Ariadna (conservado en la National Gallery de Londres) y El bacanal de los andrios (expuesto en el Prado), tuvo que desarrollar esta obra partiendo de los dibujos de Fra Bartolomé.
El tema y la fuente fueron elegidos directamente por Alfonso d’Este e inspiran una celebración anual en la que se llevaban ofrendas a los simulacros de Venus. En comparación con el dibujo de Fra Bartolomé, Tiziano altera la composición, colocando la estatua de Venus en el extremo derecho del cuadro y dedicando todo el espacio central a la multitud de cupidos que juegan, recogen melocotones y se abrazan.
Del Camerino de Alabastro, además de las dos obras de Tiziano, se puede admirar en el Prado también La llegada de los troyanos a las islas Estrofades de Dosso Dossi.
Venus y Adonis era un tema muy popular, cuyo éxito se debía principalmente a la desnudez de Venus. En particular, Tiziano, eligiendo de manera inusual pintar a la diosa con las nalgas aplastadas por la posición sentada, añade una carga erótica adicional a la imagen.
Tiziano pintó unas treinta versiones de Venus y Adonis. La conservada en el Prado es la más antigua que ha sobrevivido. Fue encargada por Felipe II y entregada a él en Londres en 1554. De la correspondencia entre el pintor y el monarca sabemos que Tiziano quería que este cuadro se expusiera junto a Danae, en la que Venus desnuda aparecía de frente. De este modo, el artista quería demostrar cómo la pintura, al igual que la escultura, es capaz de explorar diferentes puntos de vista.
El mito representado no corresponde exactamente a la versión de Ovidio. Así, como en otras obras, Tiziano realiza un excepcional trabajo intelectual de integración y adaptación de las fuentes clásicas.
La obra representa el conocido episodio bíblico del joven David que derrota al gigante Goliat golpeándolo primero con una piedra lanzada con una honda y luego decapitándolo. Caravaggio era el maestro de la luz y el claroscuro y esta obra es una prueba de esta notable habilidad suya. La luz captura el gesto físico de la lucha, iluminando el brazo musculoso y la pierna del héroe y los hombros de Goliat, a punto de ser decapitado. El gesto de tirar del cabello para mostrar el rostro de Goliat no está atestiguado en la Biblia, pero fue introducido por el pintor con fines narrativos.
Este cuadro es considerado la última obra de El Greco. Lo pintó para que fuera colocado sobre su tumba en el convento de Santo Domingo El Antiguo en Toledo. Por eso entre los pastores aparecen también el autorretrato del pintor y su hijo Jorge Manuel.
El tema elegido se consideraba una metáfora de la resurrección y la eternidad. Las formas de las figuras están distorsionadas, característica común de las obras tardías de El Greco. Los contrastes entre luz y sombra están especialmente enfatizados para aumentar el sentido de dramatismo. La principal fuente de luz es el Niño Jesús, con obvios significados simbólicos.
El Greco, debido a su estilo tormentoso y fuertemente influenciado por temas religiosos, fue apreciado solo mucho tiempo después de su muerte. Es considerado con razón un precursor del expresionismo.
El Museo del Prado posee unas noventa pinturas de Rubens. El artista era muy apreciado por el rey Felipe IV que le encargó numerosos trabajos para embellecer las residencias reales madrileñas.
Sin embargo, el famoso cuadro de Las Tres Gracias permaneció en propiedad del artista y solo tras su muerte fue adquirido por el monarca. El mito dice que las Gracias formaban parte del círculo de Afrodita y representaban los valores del amor, la belleza y la sensualidad. Probablemente por eso Rubens pintó la obra para uso personal, para celebrar las alegrías de su nueva vida tras su segundo matrimonio.
Velázquez fue el retratista de la corte de España durante casi cuarenta años, bajo Felipe IV. Las Meninas representa el culmen de su carrera, tanto desde el punto de vista técnico como conceptual.
La escena está ambientada en una habitación del Alcázar y muestra a la infanta Margarita rodeada de su séquito de damas de compañía y sirvientes. En un lugar discreto aparece Velázquez, ocupado pintando. El espejo, en cambio, refleja la imagen de los padres de Margarita, Felipe IV y Mariana de Austria.
La complejidad de la composición la hace particularmente enigmática. La interpretación más aceptada es que Velázquez quiso representar, a través del género que lo hizo famoso (el retrato), su estatus profesional. Los pintores, de hecho, eran considerados en España más como artesanos que artistas, pero Velázquez logró obtener un papel relevante en la corte, convirtiéndose también en conservador de la colección real de pintura. Por ello se retrata simbólicamente, en el único autorretrato conocido, dentro del Alcázar, rodeado por la familia real, demostrando el punto culminante de su carrera.
El uso de la imagen reflejada en el espejo no es nuevo para el pintor, basta pensar en el rostro de la célebre Venus Rokeby. Pero en este caso también podría haber una referencia a un tema muy actual en ese período, es decir, el de la ilusión, llevado a la atención del público por Don Quijote de Cervantes.
La historia de estos dos cuadros, generalmente exhibidos uno al lado del otro, es bastante controvertida. Ambos pertenecían a Manuel de Godoy, secretario de estado español a finales del siglo XVIII. La Maja desnuda aparece en un inventario de 1800 y se conservaba en una habitación privada de la residencia de Godoy junto con otras pinturas de desnudos, entre ellas la célebre Venus Rokeby de Velázquez, hoy expuesta en la National Gallery de Londres.
La Maja vestida fue pintada algunos años después, quizás para remediar una investigación de la Inquisición que, al descubrir la versión desnuda, puso a Godoy y a Goya bajo juicio. Afortunadamente no hubo graves consecuencias, ya que en ese período el tribunal de la Inquisición había perdido básicamente su poder. Los cuadros fueron confiscados y Goya se salvó afirmando haberse inspirado en los desnudos mitológicos de Tiziano y en la Venus Rokeby.
En realidad, la maja no es un personaje mitológico, sino un personaje del pueblo, como demuestran también los sencillos vestidos de la segunda versión. Probablemente se trate del retrato de una favorita de Manuel de Godoy.
El famoso cuadro de Goya, también conocido como El 3 de mayo de 1808, es una obra que cambió la percepción de la guerra en el arte. Representa la ejecución de algunos personajes del pueblo que habían participado en la resistencia española contra las tropas napoleónicas. Destaca la contraposición entre el pelotón de fusilamiento, alineado ordenadamente, cuyos rostros no vemos, y la masa desordenada de las víctimas. A la izquierda yacen los cuerpos que ya han sido ejecutados (uno de ellos muestra también la marca del disparo de gracia en la frente). En el centro están los que están a punto de ser fusilados, destacando la figura con los brazos extendidos en señal de rendición. Finalmente, a la derecha, otra masa indistinta de personas espera su turno para ser ejecutada.
Antes la guerra siempre se representaba con un aura épica. Aunque no faltaban las representaciones cruentas de las víctimas, los artistas tendían a usar siempre el estilo de la gran pintura histórica. En Los fusilamientos de Goya, en cambio, no hay nada heroico ni glorioso. Las víctimas son personas comunes, hay una atmósfera de pura desesperación y el fusilamiento es una acción mecánica y repetitiva.
Esta obra de Goya, por su modo narrativo innovador, ha influido en algunas pinturas posteriores, como La ejecución del emperador Maximiliano de Manet y Guernica y la Masacre en Corea de Picasso.
Horarios Museo del Prado
- Horarios regulares:
De lunes a sábado – de 10:00 a 20:00
Domingos y festivos – de 10:00 a 19:00
Nota: El Museo del Prado está cerrado el 1 de enero, 1 de mayo y 25 de diciembre. - Horarios limitados: El 6 de enero, 24 y 31 de diciembre, el Museo del Prado estará abierto de 10 a 14
- Acceso gratuito: los visitantes pueden disfrutar de acceso gratuito al Museo del Prado en estos días:
De lunes a sábado – de 18:00 a 20:00
Domingos y festivos – de 17:00 a 19:00
Acceso al museo hasta 45 minutos antes de la hora de cierre.
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