Eines der Hauptmuseen Madrids ist das Museo del Prado. Es bildet zusammen mit den nahegelegenen Centro de Arte Reina Sofia und dem Museo Thyssen-Bornemisza das Goldene Dreieck der Kunst von Madrid (UNESCO-Weltkulturerbe seit 2021). Gleichzeitig ist der Paseo del Prado zusammen mit dem Parque del Buen Retiro und dem Barrio de los Jerónimos, der sie umfasst, eine kulturelle Landschaft und Unesco-Weltkulturerbe, welches anlässlich dieser Anerkennung als Paisaje de la Luz bezeichnet wurde.
- Der Ursprung der Prado-Sammlung
- Werke im Museo del Prado
- Fra Angelico – Verkündigung (1425-1428)
- Botticelli – Szenen aus Nastagio degli Onesti (1483)
- Tizian – Der Kult der Venus (1518-1519)
- Tizian – Venus und Adonis (1554)
- Caravaggio – David siegt über Goliath (um 1600)
- El Greco – Anbetung der Hirten (1612-1614)
- Rubens – Die drei Grazien (1630-1635)
- Velázquez – Las Meninas (1656)
- Goya – Die nackte Maja und die bekleidete Maja (1800-1808)
- Goya – Das Erschießungskomando (1814)
- Öffnungszeiten Museo del Prado
- Eintrittskarten Museo del Prado
Das Erbe des Prado umfasst mehr als 21.000 Werke, darunter Gemälde, Zeichnungen, Drucke und Skulpturen. Etwa 1.300, hauptsächlich Gemälde, sind derzeit ausgestellt. Um eine buchstäbliche Kunstüberdosis zu vermeiden, ist dieser Artikel ein Besuchsvorschlag durch zehn ausgestellte Meisterwerke, um das Wesen der Sammlung zu erfassen und sicherzugehen, die bedeutendsten Werke nicht zu verpassen. Auf FullTravel findest du auch Tipps zu wie man sich in Madrid kostengünstig fortbewegt und wie man die spanische Hauptstadt in zwei Tagen besichtigt.
Der Ursprung der Prado-Sammlung
Das Gebäude, das das Museo del Prado beherbergt, stammt aus dem Jahr 1785 und war ursprünglich für die Naturkundesammlung vorgesehen. 1819 wurde es auf Initiative von König Ferdinand VII. und seiner Frau Isabella von Braganza in ein Museum für Malerei und Skulptur umgewandelt. Der ursprüngliche Kern der Sammlung war die reiche Kunstsammlung des Königshauses, damals bestehend aus 1.510 Werken.
Ferdinand VII.s Entscheidung entsprach dem, was zu jener Zeit in anderen Staaten geschah (zum Beispiel in Frankreich mit der Gründung des Louvre): die königlichen Sammlungen der Öffentlichkeit zugänglich zu machen bedeutete, dieses enorme Kulturerbe zu Studienzwecken oder einfach zur Freude mit dem Volk zu teilen. Im Fall des Prado wollte das Königshaus auch der Welt den Wert spanischer Künstler zeigen, die oft weniger bekannt waren als andere europäische Künstler.
Einige Meister, wie Velázquez, Tizian, Rubens und Goya, sind mit einer bedeutenden Anzahl von Werken vertreten, da sie direkt für den spanischen Hof tätig waren. Die Prado-Goya-Sammlung ist weltweit die bedeutendste hinsichtlich Umfang und Qualität. Werke anderer Künstler, vor allem italienischer und flämischer Herkunft, wurden im Lauf der Jahrhunderte von Mitgliedern der königlichen Familie gesammelt. Ein Sonderfall ist El Greco, der trotz fehlender besonderer Förderung durch den Hof mit einer bedeutenden Anzahl von Werken vertreten ist, was seine Relevanz im spanischen Kulturkontext widerspiegelt.
Werke im Museo del Prado
Die Verkündigung war die zentrale Szene eines Altarbildes des Klosters San Domenico in Fiesole, wo Fra Angelico als Mönch tätig war und für das der Maler auch andere Werke schuf.
Das Gemälde ist in zwei Teile geteilt: links ist der Rausschmiss Adams und Evas aus dem Paradies, rechts überbringt der Engel Maria die frohe Botschaft, die gleichzeitig vom göttlichen Licht getroffen wird. Die Erzählung stellt den Übergang von Sünde zur Erlösung dar, wobei Adam und Eva der ewigen Verdammnis verfallen sind, deren einziger Ausweg die Geburt Christi ist, ermöglicht durch Maria. Die beiden Momente sind gut unterscheidbar, auch dank der sehr unterschiedlichen Kulissen. Der Garten Eden ist üppig und detailreich dargestellt. Auffällig sind eine Palme und rote Rosen, Symbole für Martyrertum und Passion. Maria hingegen befindet sich in einem architektonischen Raum, einem Renaissance-Portikus, der auch das perspektivische Element der Komposition ist.
Die drei im Prado ausgestellten Tafeln sind Teil eines Zyklus von vier Gemälden, die Botticelli als Hochzeitsgeschenk für das florentinische Ehepaar Giannozzo Pucci und Lucrezia Bini anfertigte. Die Geschichte von Nastagio degli Onesti wird im Decameron von Boccaccio erzählt und wurde als Hochzeitsgeschenk gewählt, weil es sich um eine Liebesgeschichte mit glücklichem Ende handelt. Nastagio wird von der Frau, in die er verliebt ist, abgewiesen und flieht deshalb in den Wald außerhalb von Ravenna, wo er das höllische Strafgericht erlebt, das einer anderen Frau auferlegt wird, die ihren Verehrer abgelehnt hat. Da diese grausame Szene jeden Freitag wiederkehrt, lädt Nastagio die Frau, die ihn abgewiesen hat, und ihre Familie zum Abendessen in den Wald ein. Als die Gäste sehen, wie die Frau von wilden Hunden verfolgt und zerrissen wird, ändert das Mädchen ihre Meinung und stimmt der Heirat zu. Das fehlende Tafelbild, das sich in einem Privatbesitz befindet, zeigt das Hochzeitsbankett des Paares.
Dieses Werk wird Botticelli zugeschrieben, wobei die Forscher übereinstimmen, dass der Meister das narrative Konzept des Zyklus entwarf und einige Figuren malte, jedoch die Mitarbeit von zwei weiteren Künstlern für die Gesamtumsetzung in Anspruch nahm.
Dieses Gemälde wurde von Alfonso d’Este, Herzog von Ferrara, für seinen Alabasterraum bestellt, einem privaten Raum, den er mit mythologischen Szenen dekoriert haben wollte. Für die Gemälde des Alabasterraums verpflichtete Alfonso d’Este die besten Maler seiner Zeit: Tizian, Giovanni Bellini, Dosso Dossi, Michelangelo (der die Arbeit nicht lieferte) sowie Raffael und Fra Bartolomeo, die vor der Fertigstellung der Werke starben und nur Zeichnungen hinterließen. Tizian, der bereits für denselben Raum Bacchus und Ariadne (in der National Gallery in London) und das Bacchanal der Andrii (im Prado ausgestellt) gemalt hatte, musste dieses Werk anhand der Zeichnungen von Fra Bartolomeo entwickeln.
Das Sujet und die Quelle wurden direkt von Alfonso d’Este ausgewählt und beziehen sich auf eine jährliche Feier, bei der Gaben an Statuen der Venus gebracht wurden. Im Vergleich zur Zeichnung von Fra Bartolomeo verändert Tizian die Komposition grundlegend, indem er die Statue der Venus am rechten Bildrand positioniert und den gesamten zentralen Raum für Amorinen reserviert, die spielen, Pfirsiche sammeln und sich umarmen.
Aus dem Alabasterraum sind neben zwei Werken von Tizian auch Dosso Dossis “Ankunft der Trojaner auf den Strophadischen Inseln” im Prado zu bewundern.
Venus und Adonis war ein sehr beliebtes Sujet, dessen Erfolg vor allem auf der Nacktheit der Venus beruhte. Besonders Tizian verstärkt durch die ungewöhnliche Darstellung der sitzenden Venus mit zusammengedrücktem Gesäß die erotische Wirkung des Bildes.
Tizian malte etwa dreißig Versionen von Venus und Adonis. Das im Prado erhaltene Werk ist die älteste erhaltene Variante. Es wurde von Philipp II. in Auftrag gegeben und 1554 in London an ihn übergeben. Aus dem Schriftwechsel zwischen dem Maler und dem König erfahren wir, dass Tizian beabsichtigte, dieses Gemälde neben der Danae zu platzieren, in der die nackte Venus gegenübersteht. So wollte der Künstler zeigen, wie Malerei, ähnlich wie Skulptur, verschiedene Perspektiven erforschen kann.
Der dargestellte Mythos entspricht nicht genau der Version von Ovid. Wie in anderen Werken leistet Tizian hier eine außergewöhnlich geistvolle Integration und Anpassung der klassischen Quellen.
Das Werk stellt die bekannte biblische Episode des jungen David dar, der den Riesen Goliath zuerst mit einem Schleuderstein trifft und ihn dann enthauptet. Caravaggio war der Meister des Lichts und der Hell-Dunkel-Kontraste, und dieses Werk beweist seine bemerkenswerte Fähigkeit. Das Licht hebt die Bewegung des Kampfes hervor, beleuchtet den muskulösen Arm und das Bein des Helden sowie die Schultern Goliaths, der gerade enthauptet wird. Das Ziehen an den Haaren, um Goliaths Gesicht sichtbar zu machen, ist nicht biblisch belegt, wurde vom Maler aber aus narrativen Gründen eingeführt.
Dieses Gemälde gilt als das letzte Werk von El Greco. Er malte es, damit es über seinem Grab im Kloster Santo Domingo El Antiguo in Toledo platziert wird. Daher erscheinen unter den Hirten auch ein Selbstbildnis des Malers und sein Sohn Jorge Manuel.
Das gewählte Sujet wurde als eine Metapher für Auferstehung und Ewigkeit angesehen. Die Formen der Figuren sind verzerrt, was typisch für die späten Arbeiten von El Greco ist. Die Kontraste zwischen Licht und Schatten werden besonders betont, um das dramatische Gefühl zu verstärken. Die Hauptlichtquelle ist das Jesuskind, mit offensichtlichen symbolischen Bedeutungen.
El Greco wurde wegen seines expressiven und stark religiös beeinflussten Stils erst lange nach seinem Tod gewürdigt. Er gilt zu Recht als Wegbereiter des Expressionismus.
Das Museo del Prado besitzt etwa neunzig Gemälde von Rubens. Der Künstler wurde vom König Philipp IV. sehr geschätzt, der ihm zahlreiche Aufträge gab, um die königlichen Residenzen in Madrid zu verschönern.
Das berühmte Gemälde der Drei Grazien blieb jedoch im Besitz des Künstlers und wurde erst nach dessen Tod vom König erworben. Der Mythos besagt, dass die Grazien zum Gefolge der Aphrodite gehörten und die Werte Liebe, Schönheit und Sinnlichkeit repräsentierten. Deshalb malte Rubens das Werk wahrscheinlich für den privaten Gebrauch, um die Freuden seines neuen Lebens nach seiner zweiten Heirat zu feiern.
Velázquez war fast vierzig Jahre lang Hofmaler Spaniens unter Philipp IV. Las Meninas gilt als Höhepunkt seiner Karriere, sowohl technisch als auch konzeptuell.
Die Szene spielt in einem Zimmer des Alcázar und zeigt die Infantin Margarita, umgeben von ihrem Hofstaat aus Hofdamen und Dienern. Im Hintergrund ist Velázquez selbst zu sehen, wie er malt. Der Spiegel reflektiert das Bildnis der Eltern Margaritas, Philipp IV. und Maria Anna von Österreich.
Die Komplexität der Komposition macht das Werk besonders rätselhaft. Die gängigste Interpretation ist, dass Velázquez mit seinem bekannten Genre (Porträt) seinen Berufsstatus darstellen wollte. In Spanien galten Maler damals eher als Handwerker denn als Künstler, aber Velázquez hatte sich am Hof eine bedeutende Stellung erarbeitet und war Kurator der königlichen Gemäldesammlung geworden. Daher stellt er sich symbolisch in seinem einzigen bekannten Selbstbildnis inmitten des Alcázars und umgeben von der königlichen Familie dar, was den Höhepunkt seiner Karriere demonstriert.
Der Gebrauch des Spiegelbilds ist für den Maler nicht neu, man denke etwa an das Gesicht der berühmten Rokeby-Venus. Hier könnte zudem ein Bezug zu einem zu jener Zeit aktuellen Thema vorliegen, nämlich der Illusion, die Cervantes’ Don Quijote ins Rampenlicht rückte.
Die Geschichte dieser beiden oft nebeneinander ausgestellten Gemälde ist recht umstritten. Beide gehörten Manuel de Godoy, spanischer Staatssekretär Ende des 18. Jahrhunderts. Die nackte Maja wird in einem Inventar von 1800 erwähnt und befand sich in einem Privatzimmer von Godoys Residenz, zusammen mit anderen Nacktdarstellungen, darunter die berühmte Rokeby-Venus von Velázquez, heute in der National Gallery London ausgestellt.
Die bekleidete Maja wurde einige Jahre später gemalt, vermutlich um eine Untersuchung der Inquisition zu vermeiden, die, nachdem die entblößte Version entdeckt wurde, Godoy und Goya vor Gericht stellte. Glücklicherweise hatte dies keine ernsten Folgen, da die Inquisition zu jener Zeit ihre Macht weitgehend eingebüßt hatte. Die Gemälde wurden beschlagnahmt, Goya rettete sich, indem er zugab, sich von Tizians mythologischen Nacktdarstellungen und der Rokeby-Venus inspirieren lassen zu haben.
Die Maja ist tatsächlich keine mythologische Figur, sondern eine Person aus dem Volk, was sich auch an der schlichten Kleidung der zweiten Version zeigt. Wahrscheinlich handelt es sich um das Porträt einer Mätresse von Manuel de Godoy.
Goyas berühmtes Gemälde, auch bekannt als Der 3. Mai 1808, veränderte die Wahrnehmung von Krieg in der Kunst. Es zeigt die Hinrichtung einiger Volksangehöriger, die sich dem spanischen Widerstand gegen die napoleonischen Truppen angeschlossen hatten. Hervorstechend ist der Gegensatz zwischen der geordneten Erschießungstruppe, deren Gesichter wir nicht sehen, und der chaotischen Masse der Opfer. Links liegen bereits erschossene Körper (einer zeigt noch die Erschießungswunde an der Stirn). In der Mitte sind die zum Erschießen Bereiten zu sehen, unter ihnen eine Person mit ausgestreckten Armen als Zeichen der Kapitulation. Rechts wartet eine weitere undefinierte Gruppe auf ihre Hinrichtung.
Krieg wurde in der Vergangenheit meist mit einer epischen Aura dargestellt. Obwohl es brutale Darstellungen von Opfern gab, neigten Künstler immer zum Stil der großen historischen Malerei. In Goyas Erschießung gibt es nichts Heroisches oder Ruhmvolles. Die Opfer sind gewöhnliche Menschen, die Atmosphäre ist von purer Verzweiflung geprägt und die Erschießung erfolgt mechanisch und routinemäßig.
Goyas Werk wirkte dank seiner innovativen narrativen Methode auf spätere Malerei ein, darunter Manets “Hinrichtung Kaiser Maximilians” sowie Picassos “Guernica” und “Massaker in Korea”.
Öffnungszeiten Museo del Prado
- Reguläre Öffnungszeiten:
Montag bis Samstag: 10:00 – 20:00 Uhr
Sonntag und Feiertage: 10:00 – 19:00 Uhr
Hinweis: Das Museo del Prado ist am 1. Januar, 1. Mai und 25. Dezember geschlossen. - Begrenzte Öffnungszeiten: Am 6. Januar, 24. Dezember und 31. Dezember ist das Museo del Prado von 10 bis 14 Uhr geöffnet.
- Kostenloser Eintritt: Besucher können an folgenden Tagen kostenlos das Museo del Prado besuchen:
Montag bis Samstag: 18:00 – 20:00 Uhr
Sonntag und Feiertage: 17:00 – 19:00 Uhr
Der Zutritt zum Museum ist bis 45 Minuten vor Schließung möglich.
Eintrittskarten Museo del Prado
