Um dos principais museus de Madri é o Museu do Prado. Ele forma, junto com os vizinhos Centro de Arte Reina Sofia e o Museu Thyssen-Bornemisza, o Triângulo de Ouro da arte de Madri (Patrimônio Mundial da UNESCO desde 2021). Ao mesmo tempo, o Paseo del Prado, junto com o Parque do Buen Retiro e o Bairro dos Jerônimos que os contém, é uma paisagem cultural patrimônio da humanidade da Unesco, que, na ocasião desse reconhecimento, foi batizado como Paisaje de la Luz.
- A origem da coleção do Prado
- Obras do Museu do Prado
- Fra Angelico – Anunciação (1425-1428)
- Botticelli – Cenas de Nastagio degli Onesti (1483)
- Ticiano – O culto de Vênus (1518-1519)
- Ticiano – Vênus e Adônis (1554)
- Caravaggio – Davi vencedor de Golias (cerca de 1600)
- El Greco – A adoração dos pastores (1612-1614)
- Rubens – As três Graças (1630-1635)
- Velázquez – As Meninas (1656)
- Goya – A maja nua e a maja vestida (1800-1808)
- Goya – A fuzilação (1814)
- Horários do Museu do Prado
- Ingressos Museu do Prado
O patrimônio do Prado conta com mais de 21.000 obras, entre pinturas, desenhos, gravuras e esculturas. Cerca de 1.300, predominantemente pinturas, estão atualmente em exposição. Para evitar literalmente uma overdose de arte, este artigo é uma proposta de visita através de dez obras-primas expostas, para captar a essência da coleção e garantir que você não perca as obras mais significativas. Você também pode encontrar no FullTravel algumas dicas sobre como se locomover em Madri com baixo custo e como visitar a capital espanhola em dois dias.
A origem da coleção do Prado
O edifício que abriga o Museu do Prado data de 1785 e originalmente destinava-se à coleção de história natural. Em 1819, por iniciativa do rei Fernando VII e de sua esposa Isabel de Bragança, foi transformado em Museu de pintura e escultura. O núcleo original da coleção era a rica coleção de arte pertencente à casa real, então composta por 1.510 obras.
A escolha de Fernando VII está alinhada com o que acontecia em outros estados no mesmo período (por exemplo, na França com a criação do Louvre): expor ao público as coleções reais significava compartilhar com o povo, para fins de estudo ou simplesmente para prazer, um enorme patrimônio cultural. No caso específico do Prado, a casa real também queria demonstrar ao mundo o valor dos artistas espanhóis, geralmente menos conhecidos que outros artistas europeus.
Alguns mestres, como Velázquez, Ticiano, Rubens e Goya, estão presentes com um número significativo de obras, uma vez que trabalharam diretamente com a corte espanhola. A coleção de obras de Goya do Prado, em particular, é a mais importante do mundo, em quantidade e qualidade. As pinturas de outros artistas, principalmente italianos e flamengos, foram colecionadas pelos membros da família real ao longo dos séculos. Um caso à parte é El Greco, que, apesar de não ter sido particularmente patrocinado pela corte, está justamente presente com um número significativo de obras, dada a sua relevância no panorama cultural espanhol.
Obras do Museu do Prado
A Anunciação era a cena central de uma retábulo do Convento de São Domingos em Fiesole, onde Fra Angelico servia como frade e para o qual o pintor também realizou outras obras.
A pintura é dividida em duas partes: à esquerda está a expulsão de Adão e Eva do paraíso terrestre, enquanto à direita o anjo traz a boa nova a Maria que, simultaneamente, é atingida pela luz divina. A narrativa representa a passagem do pecado à redenção, com Adão e Eva destinados à eterna condenação, cuja única via de salvação é o nascimento de Cristo, possibilitado por Maria. Os dois momentos estão bem distintos graças também à ambientação muito diferente. O jardim do Éden é exuberante e pintado com grande detalhe. Nele destacam-se uma palmeira e rosas vermelhas, símbolos respectivamente do martírio e da Paixão. Maria está inserida em um espaço arquitetônico, um pórtico renascentista que é também o elemento perspectivo da composição.
Os três painéis expostos no Prado fazem parte de um ciclo de quatro pinturas encomendadas a Botticelli como presente de casamento para os esposos florentinos Giannozzo Pucci e Lucrezia Bini. A história de Nastagio degli Onesti é contada no Decameron de Boccaccio e foi escolhida para caracterizar um presente nupcial pois é uma história de amor com final feliz. Nastagio, de fato, é rejeitado pela mulher de quem é apaixonado e por isso foge para a floresta fora de Ravena onde assiste à penalidade infernal infligida a outra mulher que havia rejeitado seu amante. Como essa cena cruel se repete todas as sextas-feiras, Nastagio decide convidar para jantar na floresta a mulher que o havia rejeitado e sua família. Quando os convidados veem diante dos seus olhos a mulher sendo perseguida e dilacerada por cães ferozes, a moça que havia rejeitado Nastagio muda de ideia e aceita o casamento. O painel faltante, conservado em coleção privada, retrata o banquete nupcial do casal.
Essa obra é atribuída a Botticelli, mas os estudiosos concordam que o Mestre desenhou a narrativa do ciclo e pintou alguns personagens, mas contou com a colaboração de outros dois artistas para a execução geral.
Esta pintura foi encomendada por Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para seu Camerino de Alabastro, um ambiente privado que ele quis decorar com cenas mitológicas. Para as pinturas do Camerino, Alfonso d’Este envolveu os melhores pintores da época: Ticiano, Giovanni Bellini, Dosso Dossi, Michelangelo (que não entregou o trabalho) e Rafael e Fra Bartolomeu, que morreram antes de concluir suas obras, deixando apenas desenhos. Ticiano, que já havia pintado para este mesmo ambiente Baco e Ariadne (conservado na National Gallery de Londres) e O bacanal dos Andrômedos (exposto no Prado), teve que desenvolver esta obra a partir dos desenhos de Fra Bartolomeu.
O tema e a fonte foram escolhidos diretamente por Alfonso d’Este e inspiram-se numa celebração anual durante a qual eram levados presentes aos simulacros de Vênus. Em relação ao desenho de Fra Bartolomeu, Ticiano altera completamente a composição, colocando a estátua de Vênus na extremidade direita do quadro e dedicando todo o espaço central à multidão de cupidos que jogam, colhem pêssegos e se abraçam.
Do Camerino de Alabastro, além das duas obras de Ticiano, é possível admirar no Prado também A chegada dos troianos às ilhas Strofadi, de Dosso Dossi.
Vênus e Adônis era um tema bastante popular, cujo sucesso se devia principalmente à nudez de Vênus. Particularmente, Ticiano, escolhendo de maneira incomum pintar a deusa com os glúteos comprimidos na posição sentada, adiciona uma carga erótica adicional à imagem.
Ticiano pintou cerca de trinta versões de Vênus e Adônis. A que está conservada no Prado é a mais antiga sobrevivente. Ela foi encomendada por Felipe II e entregue a ele em Londres em 1554. Pela correspondência entre o pintor e o soberano, sabemos que Ticiano pretendia que essa pintura fosse exposta ao lado de Danae, onde Vênus nua aparecia em frente. Dessa forma, o artista queria mostrar como a pintura, assim como a escultura, pode explorar diferentes pontos de vista.
O mito representado não corresponde exatamente à versão de Ovídio. Assim, como em outras obras, Ticiano faz um trabalho intelectual excepcional de integração e adaptação das fontes clássicas.
A obra representa o conhecido episódio bíblico do jovem Davi que derrota o gigante Golias, primeiro atingindo-o com uma pedra lançada com uma funda e depois decapitando-o. Caravaggio era mestre da luz e dos claros-escuros, e esta obra é prova dessa sua notável habilidade. A luz captura o gesto físico da luta, iluminando o braço musculoso e a perna do herói e os ombros de Golias, prestes a ser decapitado. O gesto de puxar os cabelos para mostrar o rosto de Golias não é relatado na Bíblia, mas foi introduzido pelo pintor para fins narrativos.
Esta pintura é considerada a última obra de El Greco. Ele a pintou para que fosse colocada sobre seu túmulo no convento de Santo Domingo El Antiguo em Toledo. Por isso, entre os pastores aparecem o autorretrato do pintor e seu filho Jorge Manuel.
O tema escolhido era considerado uma metáfora de ressurreição e eternidade. As formas das figuras são distorcidas, característica comum nas obras tardias de El Greco. Os contrastes entre luz e sombra são particularmente enfatizados para aumentar o sentido de dramaticidade. A principal fonte de luz é o Menino Jesus, com óbvios significados simbólicos.
El Greco, devido ao seu estilo conturbado e fortemente influenciado por temas religiosos, só foi apreciado muito tempo depois de sua morte. É considerado com razão um precursor do expressionismo.
O Museu do Prado possui cerca de noventa pinturas de Rubens. O artista era muito apreciado pelo rei Felipe IV, que lhe encomendou numerosos trabalhos para embelezar as residências reais madrilenhas.
A célebre pintura das Três Graças, entretanto, permaneceu propriedade do artista e só após sua morte foi adquirida pelo soberano. A lenda diz que as Graças faziam parte do círculo de Afrodite e representavam os valores do amor, da beleza e da sensualidade. Por isso, provavelmente Rubens pintou a obra para uso pessoal, para celebrar as alegrias de sua nova vida após o segundo casamento.
Velázquez foi o retratista da corte espanhola por quase quarenta anos, sob Felipe IV. As Meninas representa o ápice dessa sua carreira, tanto do ponto de vista técnico quanto conceitual.
A cena ocorre em um aposento do Alcázar e representa a infanta Margarida cercada pelo seu séquito de damas de companhia e servos. Em posição recuada aparece Velázquez, ocupado pintando. O espelho, por sua vez, reflete a imagem dos pais de Margarida, Felipe IV e Mariana da Áustria.
A complexidade da composição torna-a particularmente enigmática. A interpretação mais aceita é que Velázquez quis representar, através do gênero que o tornou famoso (o retrato), seu status profissional. Os pintores, na Espanha, eram considerados mais como artesãos do que artistas, mas Velázquez conseguiu ganhar um papel de destaque na corte, tornando-se também curador da coleção real de pintura. Por isso, ele se retrata simbolicamente, no único autorretrato conhecido, dentro do Alcázar, cercado pela família real, mostrando o ponto alto de sua carreira.
O uso da imagem refletida no espelho não é novidade para o pintor, basta pensar no rosto da célebre Vênus Rokeby. Mas neste caso pode haver também uma referência a um tema muito atual da época, ou seja, a ilusão, trazida à atenção do público pelo Dom Quixote de Cervantes.
A história dessas duas pinturas, geralmente expostas lado a lado, é bastante controversa. Ambas pertenciam a Manuel de Godoy, secretário de estado espanhol no final do século XVIII. A Maja nua aparece em um inventário de 1800 e era conservada em um quarto privado da residência de Godoy junto com outras pinturas de nus, entre elas a célebre Vênus Rokeby de Velázquez, hoje exposta na National Gallery de Londres.
A Maja vestida foi pintada alguns anos depois, talvez para remediar uma investigação da Inquisição que, ao descobrir a versão nua, colocou Godoy e Goya em julgamento. Felizmente não houve consequências graves, dado que na época o tribunal da Inquisição havia perdido praticamente seu poder. As pinturas foram confiscadas e Goya se salvou dizendo ter se inspirado nos nus mitológicos de Ticiano e na Vênus Rokeby.
Na verdade, a Maja não é um personagem mitológico, mas uma pessoa comum, como comprovam também as roupas simples da segunda versão. Provavelmente trata-se do retrato de uma favorita de Manuel de Godoy.
A célebre pintura de Goya, também conhecida como 3 de maio de 1808, é uma obra que mudou a percepção da guerra na arte. Ela retrata a execução de alguns personagens do povo que aderiram à resistência espanhola contra as tropas napoleônicas. Destaca-se, assim, o contraste entre o pelotão de fuzilamento, alinhado ordenadamente, cujos rostos não vemos, e a massa desordenada das vítimas. À esquerda estão os corpos que já sofreram a execução (um deles também mostra a marca do tiro de misericórdia na testa). No centro, estão aqueles que estão prestes a ser fuzilados, entre eles o personagem de braços abertos, em sinal de rendição. Por fim, à direita, outra massa indistinta de pessoas espera sua vez para ser executada.
No passado, a guerra sempre foi representada com uma aura épica. Embora não faltassem representações cruéis das vítimas, os artistas tendiam a usar o estilo da grande pintura histórica. Na fuzilação de Goya, entretanto, não há nada heroico ou glorioso. As vítimas são pessoas comuns, há uma atmosfera de pura desesperança e o fuzilamento é uma ação mecânica e repetitiva.
Esta obra de Goya, por seu modo narrativo inovador, influenciou algumas pinturas posteriores, entre elas A execução do imperador Maximiliano de Manet e Guernica e o Massacre na Coreia de Picasso.
Horários do Museu do Prado
- Horário de abertura regular:
De segunda a sábado – das 10:00 às 20:00
Domingos e feriados – das 10:00 às 19:00
Nota: O Museu do Prado está fechado nos dias 1º de janeiro, 1º de maio e 25 de dezembro. - Horário de abertura limitado: Em 6 de janeiro, 24 de dezembro e 31 de dezembro, o Museu do Prado estará aberto das 10 às 14 horas
- Acesso gratuito: visitantes podem ter acesso gratuito ao Museu do Prado nestes dias:
De segunda a sábado – das 18:00 às 20:00
Domingos e feriados – das 17:00 às 19:00
Acesso ao museu permitido até 45 minutos antes do horário de fechamento.
Ingressos Museu do Prado
