Uno dos principais museus de Madrid é o Museu do Prado. Ele forma, junto com os vizinhos Centro de Arte Reina Sofia e o Museu Thyssen-Bornemisza, o Triângulo de Ouro da arte de Madrid (Patrimônio da UNESCO desde 2021). Ao mesmo tempo, o Paseo del Prado, junto com o Parque do Buen Retiro e o Bairro de los Jerónimos que os contém, é uma paisagem cultural patrimônio da humanidade pela Unesco, que, na ocasião desse reconhecimento, foi batizado como Paisaje de la Luz.
- A origem da coleção do Prado
- Obras do Museu do Prado
- Fra Angelico – Anunciação (1425-1428)
- Botticelli – Cenas de Nastagio degli Onesti (1483)
- Ticiano – O culto de Vênus (1518-1519)
- Ticiano – Vênus e Adônis (1554)
- Caravaggio – Davi vencedor de Golias (cerca de 1600)
- El Greco – A adoração dos pastores (1612-1614)
- Rubens – As três Graças (1630-1635)
- Velázquez – Las Meninas (1656)
- Goya – A maja nua e a maja vestida (1800-1808)
- Goya – A fuzilação (1814)
- Horários do Museu do Prado
- Ingressos para o Museu do Prado
O patrimônio do Prado conta com mais de 21.000 obras, entre pinturas, desenhos, gravuras e esculturas. Cerca de 1.300, principalmente pinturas, estão atualmente em exposição. Para evitar literalmente uma overdose de arte, este artigo é uma proposta de visita através de dez obras-primas expostas, para captar a essência da coleção e garantir que você não perca as obras mais significativas. Você também pode encontrar no FullTravel algumas dicas sobre como se locomover em Madrid com baixo custo e como visitar a capital espanhola em dois dias.
A origem da coleção do Prado
O edifício que abriga o Museu do Prado data de 1785 e era originalmente destinado à coleção de história natural. Em 1819, por iniciativa do rei Fernando VII e da esposa Isabel de Bragança, foi transformado em Museu de pintura e escultura. O núcleo original da coleção era a rica coleção de arte pertencente à casa real, à época composta por 1.510 obras.
A escolha de Fernando VII está em linha com o que acontecia em outros países no mesmo período (por exemplo, na França com a criação do Louvre): expor ao público as coleções reais significava compartilhar com o povo, para fins de estudo ou simplesmente de lazer, um enorme patrimônio cultural. No caso específico do Prado, a casa real também queria demonstrar ao mundo o valor dos artistas espanhóis, geralmente menos conhecidos que outros artistas europeus.
Alguns mestres, como Velázquez, Ticiano, Rubens e Goya, estão presentes com um número significativo de obras, já que trabalharam diretamente com a corte espanhola. A coleção de obras de Goya do Prado, em particular, é a mais importante do mundo, em quantidade e qualidade. As pinturas de outros artistas, principalmente italianos e flamengos, foram colecionadas pelos membros da família real ao longo dos séculos. Um caso à parte é El Greco, que, apesar de não ter sido particularmente patrocinado pela corte, está justamente presente com um número significativo de obras, dada sua relevância no panorama cultural espanhol.
Obras do Museu do Prado
A Anunciação era a cena central de um altar do Convento de São Domingos em Fiesole, onde Fra Angelico servia como frade e para o qual o pintor também realizou outras obras.
A pintura está dividida em duas partes: à esquerda está a expulsão de Adão e Eva do paraíso terrestre, enquanto à direita o anjo traz a boa nova a Maria que, ao mesmo tempo, é iluminada pela luz divina. A narrativa representa a passagem do pecado à redenção, com Adão e Eva destinados à condenação eterna, para a qual o único caminho de salvação é o nascimento de Cristo, possibilitado por Maria. Os dois momentos são bem distintos também graças ao cenário muito diferente. O jardim do Éden é exuberante e pintado com grande detalhe. Destacam-se nele uma palmeira e rosas vermelhas, símbolos, respectivamente, do martírio e da Paixão. Maria está inserida em um espaço arquitetônico, um pórtico renascentista que também é o elemento perspectivo da composição.
Os três painéis expostos no Prado fazem parte de um ciclo de quatro pinturas encomendadas a Botticelli como presente de casamento para o casal florentino Giannozzo Pucci e Lucrezia Bini. A história de Nastagio degli Onesti é contada no Decamerão de Boccaccio e foi escolhida para caracterizar um presente de casamento porque é uma história de amor com final feliz. Nastagio, de fato, é rejeitado pela mulher de quem está apaixonado e por isso foge para a floresta fora de Ravena onde assiste à punição infernal infligida a outra mulher que havia rejeitado o apaixonado. Como essa cena brutal se repete toda sexta-feira, Nastagio decide convidar para jantar na floresta a mulher que o rejeitou e sua família. Quando os convidados veem diante de seus olhos a mulher sendo perseguida e dilacerada por cães ferozes, a moça que rejeitou Nastagio muda de ideia e concorda com o casamento. O painel faltante, conservado em uma coleção particular, representa o banquete de casamento do casal.
Esta obra é atribuída a Botticelli, mas os estudiosos concordam que o Mestre planejou a narrativa do ciclo e pintou alguns dos personagens, mas contou com a colaboração de outros dois artistas para a execução geral.
Esta pintura foi encomendada por Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para seu Camerino de Alabastro, um ambiente privado que ele quis decorado com cenas mitológicas. Para as pinturas do Camerino, Alfonso d’Este envolveu os melhores pintores da época: Ticiano, Giovanni Bellini, Dosso Dossi, Michelangelo (que não entregou seu trabalho) e Rafael e Fra Bartolomeo, que morreram antes de completar suas obras, deixando apenas desenhos. Ticiano, que já havia pintado para este mesmo ambiente Baco e Ariadne (conservada na National Gallery em Londres) e O bacanal dos Andrios (exposto no Prado), teve que desenvolver esta obra a partir dos desenhos de Fra Bartolomeo.
O tema e a fonte foram escolhidos diretamente por Alfonso d’Este e se inspiram em uma celebração anual durante a qual se entregavam oferendas aos simulacros de Vênus. Em comparação ao desenho de Fra Bartolomeo, Ticiano altera radicalmente a composição, colocando a estátua de Vênus na extremidade direita do quadro e dedicando todo o espaço central à multidão de cupidos que brincam, colhem pêssegos e se abraçam.
Do Camerino de Alabastro, além das duas obras de Ticiano, é possível admirar no Prado também A chegada dos Troianos às Ilhas Strofadas, de Dosso Dossi.
Vênus e Adônis era um tema muito popular, cujo sucesso se devia principalmente à nudez de Vênus. Particularmente Ticiano, escolhendo de maneira incomum pintar a deusa com as nádegas pressionadas pela posição sentada, adiciona uma carga erótica adicional à imagem.
Ticiano pintou cerca de trinta versões de Vênus e Adônis. A conservada no Prado é a mais antiga das que sobreviveram. Foi encomendada por Felipe II e entregue a ele em Londres em 1554. Da correspondência entre o pintor e o soberano, descobrimos que Ticiano pretendia que esta pintura fosse exibida ao lado de Danae, onde Vênus nua aparecia em frente. Assim, o artista queria mostrar como a pintura, assim como a escultura, é capaz de explorar diferentes pontos de vista.
O mito representado não corresponde exatamente à versão de Ovídio. Assim, como em outras obras, Ticiano realiza um trabalho intelectual excepcional de integração e adaptação às fontes clássicas.
A obra representa o conhecido episódio bíblico do jovem Davi que derrota o gigante Golias atingindo-o primeiro com uma pedra lançada com uma funda e depois decapitando-o. Caravaggio era mestre da luz e do claro-escuro e esta obra é uma prova dessa sua habilidade notável. A luz captura o gesto físico da luta, iluminando o braço musculoso e a perna do herói e os ombros de Golias, prestes a ser decapitado. O gesto de puxar os cabelos para mostrar o rosto de Golias não está atestado na Bíblia, mas foi introduzido pelo pintor para fins narrativos.
Este quadro é considerado a última obra de El Greco. Ele a pintou para ser colocada sobre seu túmulo no convento de Santo Domingo El Antiguo em Toledo. Por isso, entre os pastores aparecem também o autorretrato do pintor e seu filho Jorge Manuel.
O tema escolhido era considerado uma metáfora de ressurreição e eternidade. As formas das figuras são distorcidas, característica comum das obras tardias de El Greco. Os contrastes entre luz e sombra são particularmente enfatizados para aumentar o senso de dramaticidade. A principal fonte de luz é o Menino Jesus, com óbvios significados simbólicos.
El Greco, por seu estilo tormentoso e fortemente influenciado pelos temas religiosos, foi apreciado somente muito tempo após sua morte. É justamente considerado um precursor do expressionismo.
O Museu do Prado possui cerca de noventa pinturas de Rubens. O artista era, de fato, muito apreciado pelo rei Filipe IV que lhe encomendou numerosos trabalhos para embelezar as residências reais madrilenas.
O famoso quadro das Três Graças, porém, permaneceu propriedade do artista e só após sua morte foi comprado pelo soberano. A mitologia quer que as Graças fizessem parte do círculo de Afrodite e representassem os valores do amor, da beleza e da sensualidade. Por isso, provavelmente Rubens pintou a obra para uso pessoal, para celebrar as alegrias de sua nova vida após o segundo casamento.
Velázquez foi o retratista da corte da Espanha por quase quarenta anos, sob Filipe IV. Las Meninas representa o auge desta carreira, tanto do ponto de vista técnico quanto conceitual.
A cena se passa em um quarto do Alcázar e representa a infanta Margarida cercada por seu séquito de damas de companhia e servos. Em posição afastada aparece Velázquez, empenhado em pintar. O espelho, por sua vez, reflete a imagem dos pais de Margarida, Filipe IV e Mariana da Áustria.
A complexidade da composição a torna particularmente enigmática. A interpretação mais aceita é que Velázquez quis representar, através do gênero que o tornou famoso (o retrato), seu status profissional. Os pintores, de fato, eram considerados na Espanha mais como artesãos do que como artistas, mas Velázquez conseguiu conquistar um papel de destaque na corte, tornando-se também curador da coleção real de pinturas. Por isso ele se retrata simbolicamente, no único autorretrato conhecido, dentro do Alcázar, cercado pela família real, demonstrando o ponto alto de sua carreira.
O uso da imagem refletida no espelho não é novo para o pintor, basta pensar no rosto da famosa Vênus Rokeby. Mas, neste caso, pode haver também uma referência a um tema muito atual naquele período, isto é, a ilusão, trazida à atenção do público pelo Dom Quixote de Cervantes.
A história dessas duas pinturas, geralmente expostas lado a lado, é bastante controversa. Ambas eram propriedade de Manuel de Godoy, secretário de Estado espanhol no final do século XVIII. A maja nua está documentada em um inventário de 1800 e era conservada em uma sala privada da residência de Godoy junto com outras pinturas de nus, incluindo a famosa Vênus Rokeby de Velázquez, hoje exposta na National Gallery de Londres.
A maja vestida foi pintada alguns anos depois, talvez para remediar uma investigação da Inquisição que, descobrindo a versão nua, colocou Godoy e Goya em processo. Felizmente não houve consequências graves, já que naquele período o tribunal da Inquisição havia essencialmente perdido seu poder. As pinturas foram confiscadas e Goya se salvou dizendo ter se inspirado nos nus mitológicos de Ticiano e na Vênus Rokeby.
Na verdade, a maja não é um personagem mitológico, mas uma personagem do povo, como também demonstram as roupas simples da segunda versão. Provavelmente trata-se do retrato de uma favorita de Manuel de Godoy.
A famosa pintura de Goya, também conhecida como 3 de maio de 1808, é uma obra que mudou a percepção da guerra na arte. Ela representa a execução de alguns membros do povo que haviam aderido à resistência espanhola contra as tropas napoleônicas. Destaca-se, portanto, o contraste entre o pelotão de execução, alinhado com ordem, cujos rostos não vemos, e a massa desordenada das vítimas. À esquerda jazem os corpos que já sofreram a execução (um deles mostra também o sinal do tiro de misericórdia na testa). No centro, estão aqueles que vão ser fuzilados, entre os quais se destaca uma pessoa com os braços abertos, em sinal de rendição. Finalmente, à direita, outra massa indistinta de pessoas aguarda sua vez para ser executada.
Antes, a guerra era sempre representada com uma aura épica. Apesar das representações cruéis das vítimas não faltarem, os artistas tendiam a usar sempre o estilo da grande pintura histórica. Na fuzilação de Goya, porém, não há nada de heróico e glorioso. As vítimas são pessoas comuns, há uma atmosfera de pura desesperança e a fuzilação é uma ação mecânica e repetitiva.
Esta obra de Goya, por sua narrativa inovadora, influenciou algumas pinturas posteriores, entre elas A execução do imperador Maximiliano de Manet e Guernica e o Massacre na Coreia de Picasso.
Horários do Museu do Prado
- Horários regulares de abertura:
De segunda a sábado – das 10:00 às 20:00
Domingos e feriados – das 10:00 às 19:00
Nota: O Museu do Prado está fechado em 1º de janeiro, 1º de maio e 25 de dezembro. - Horários limitados de abertura: Em 6 de janeiro, 24 de dezembro e 31 de dezembro, o Museu do Prado estará aberto das 10 às 14
- Entrada gratuita: os visitantes podem aproveitar a entrada gratuita no Museu do Prado nestes dias:
De segunda a sábado – das 18:00 às 20:00
Domingos e feriados – das 17:00 às 19:00
Entrada ao museu até 45 minutos antes do horário de fechamento.
Ingressos para o Museu do Prado
