Een van de belangrijkste musea in Madrid is het Museo del Prado. Samen met het nabijgelegen Centro de Arte Reina Sofia en het Museo Thyssen-Bornemisza vormt het de gouden driehoek van kunst in Madrid (UNESCO-werelderfgoed sinds 2021). Tegelijkertijd is de Paseo del Prado, samen met het Parque del Buen Retiro en de Barrio de los Jeronimos waar het deel van uitmaakt, een UNESCO-werelderfgoed landelijk cultuurlandschap dat tijdens de erkenning Paisaje de la Luz werd genoemd.
- De oorsprong van de collectie van het Prado
- Museo del Prado werken
- Fra Angelico – Annunciatie (1425-1428)
- Botticelli – Taferelen uit Nastagio degli Onesti (1483)
- Titiaan – De verering van Venus (1518-1519)
- Titiaan – Venus en Adonis (1554)
- Caravaggio – David overwint Goliath (circa 1600)
- El Greco – De aanbidding der herders (1612-1614)
- Rubens – De drie Gratiën (1630-1635)
- Velazquez – Las Meninas (1656)
- Goya – La maja desnuda en La maja vestida (1800-1808)
- Goya – De executie (1814)
- Openingstijden Museo del Prado
- Tickets Museo del Prado
Het Prado erfgoed omvat meer dan 21.000 werken, waaronder schilderijen, tekeningen, afdrukken en sculpturen. Ongeveer 1.300, voornamelijk schilderijen, zijn momenteel te zien. Om letterlijk overdosis aan kunst te voorkomen, biedt dit artikel een bezoekvoorstel aan de hand van tien meesterwerken die de essentie van de collectie weergeven zodat je zeker de meest betekenisvolle werken niet mist. Op FullTravel vind je ook enkele tips over goedkope manieren om je door Madrid te verplaatsen en hoe je de Spaanse hoofdstad in twee dagen kunt bezoeken.
De oorsprong van de collectie van het Prado
Het gebouw waarin het Museo del Prado is gehuisvest dateert uit 1785 en was oorspronkelijk bestemd voor een natuurhistorische collectie. In 1819 werd het op initiatief van koning Ferdinand VII en zijn vrouw Isabella van Braganza omgevormd tot museum voor schilderkunst en beeldhouwkunst. De oorspronkelijke kern van de collectie was de rijke kunstverzameling van de koninklijke familie, die destijds uit 1.510 werken bestond.
De keuze van Ferdinand VII correspondeerde met ontwikkelingen in andere landen in die periode (zoals Frankrijk met de oprichting van het Louvre): het tentoonstellen van koninklijke collecties aan het publiek diende het doel om een enorm cultureel erfgoed te delen met het volk, voor studie of plezier. In het specifieke geval van het Prado wilde de koninklijke familie ook de waarde van Spaanse kunstenaars aantonen, die doorgaans minder bekend waren dan andere Europese kunstenaars.
Enkele Meesters zoals Velazquez, Titiaan, Rubens en Goya zijn met een aanzienlijke hoeveelheid werken vertegenwoordigd, omdat zij direct aan het Spaanse hof verbonden waren. De collectie werken van Goya in het Prado is de belangrijkste ter wereld zowel in kwantiteit als kwaliteit. Werken van andere kunstenaars, vooral Italiaans en Vlaams, werden in de loop der eeuwen door leden van de koninklijke familie verzameld. Een uitzondering is El Greco, die, ondanks dat hij niet sterk door het hof werd gesteund, met een significant aantal werken aanwezig is vanwege zijn relevantie in het Spaanse culturele landschap.
Museo del Prado werken
De Annunciatie was het centrale tafereel van een altaarstuk van het klooster van San Domenico in Fiesole, waar Fra Angelico als monnik diende en waarvoor hij ook andere werken had gemaakt.
Het schilderij is in twee delen gesplitst: links zien we de verdrijving van Adam en Eva uit het Paradijs, rechts vertelt de engel het goede nieuws aan Maria, die tegelijkertijd door het goddelijke licht wordt geraakt. Het verhaal toont de overgang van zonde naar verlossing, waarbij Adam en Eva zijn voorbestemd tot eeuwige verdoemenis en de enige redding de geboorte van Christus is, mogelijk gemaakt door Maria. De twee scènes zijn duidelijk gescheiden, mede dankzij de totaal verschillende setting. De Hof van Eden is weelderig en gedetailleerd weergegeven met een palmboom en rode rozen als symbolen van respectievelijk het martelaarschap en het lijden. Maria staat in een architectonische ruimte, een renaissanceportiek die ook perspectivisch de compositie richting geeft.
De drie panelen in het Prado maken deel uit van een cyclus van vier schilderijen die Botticelli maakte als huwelijksgeschenk voor het Florentijnse echtpaar Giannozzo Pucci en Lucrezia Bini. Het verhaal van Nastagio degli Onesti is afkomstig uit Boccaccio’s Decamerone en werd gekozen als thema omdat het een liefdesverhaal met een gelukkig einde is. Nastagio wordt door de vrouw van wie hij houdt afgewezen en vlucht daarop het bos in bij Ravenna waar hij getuige is van de straf die op een andere vrouw wordt uitgevoerd omdat zij haar minnaar had afgewezen. Deze gewelddadige scène herhaalt zich elke vrijdag, waarop Nastagio het bos bezoekt samen met de vrouw die hem had afgewezen en haar familie. Als zij zien hoe de vrouw achtervolgd wordt door woeste honden en verscheurd wordt, verandert zij van gedachten en stemt in met het huwelijk. Het ontbrekende paneel, dat zich in een privécollectie bevindt, toont het huwelijksbanket.
Dit werk wordt aan Botticelli toegeschreven, maar experts zijn het erover eens dat hij het narratief van de cyclus ontwierp en enkele personages schilderde, maar dat twee andere kunstenaars hielpen bij de uitvoering.
Dit schilderij werd in opdracht gegeven door Alfonso d’Este, hertog van Ferrara, voor zijn Camerino d’Alabastro, een privéruimte die hij wilde decoreren met mythologische scènes. Voor de schilderijen in het Camerino schakelde Alfonso d’Este de beste schilders van zijn tijd in: Titiaan, Giovanni Bellini, Dosso Dossi, Michelangelo (die het werk niet voltooide) en Rafaël en Fra Bartolomeo, die voor zij hun werken afmaakten stierven en alleen schetsen nalieten. Titiaan, die al eerder schilderijen maakte voor deze ruimte zoals Bacchus en Ariadne (nu in de National Gallery in Londen) en Het bacchanaal der Andrii (te zien in het Prado), baseerde dit werk op de tekeningen van Fra Bartolomeo.
Het onderwerp en de bron werden direct gekozen door Alfonso d’Este en waren geïnspireerd op een jaarlijkse viering waarbij geschenken aan de beelden van Venus werden gebracht. Ten opzichte van de schets van Fra Bartolomeo verandert Titiaan de compositie drastisch door het standbeeld van Venus rechts te plaatsen en het middengebied toe te wijden aan de massa cupido’s die spelen, perziken verzamelen en elkaar omhelzen.
Naast Titiaans twee werken uit het Camerino d’Alabastro is ook De aankomst van de Trojanen bij de Strofadische Eilanden van Dosso Dossi in het Prado te bewonderen.
Venus en Adonis was een populair onderwerp, vooral vanwege de naaktheid van Venus. Titiaan voegde een extra erotische lading toe aan het beeld door de godin in een zittende positie met haar billen naar voren te schilderen, wat ongebruikelijk was.
Titiaan maakte ongeveer dertig versies van Venus en Adonis. Die in het Prado is de oudste die bewaard is gebleven. Het werd in 1554 in opdracht van Filips II beschilderd en aan hem overhandigd in Londen. Uit correspondentie tussen de schilder en de vorst blijkt dat Titiaan het schilderij naast Danaë wilde tonen, waarin een naakte Venus is afgebeeld aan de andere kant. Zo wilde de kunstenaar aantonen dat schilderkunst, net als beeldhouwkunst, verschillende gezichtspunten kan belichten.
De afgebeelde mythe wijkt niet precies af van Ovidius’ versie. Zoals in andere werken levert Titiaan een opmerkelijke intellectuele prestatie door klassieke bronnen te integreren en aan te passen.
Het werk beeldt het bekende bijbelse verhaal uit van de jonge David die de reus Goliath verslaat door hem eerst te raken met een steen uit een slinger en hem vervolgens te onthoofden. Caravaggio was een meester van licht en schaduw en dit werk toont die vaardigheid prachtig. Het licht vangt het fysieke gevecht, belicht de gespierde arm en been van de held en de schouders van een bijna onthoofde Goliath. De handeling waarbij David Goliaths haar vasthoudt om zijn gezicht te tonen komt niet in de bijbel voor maar werd door de schilder toegevoegd voor dramatologisch effect.
Dit schilderij wordt beschouwd als het laatste werk van El Greco. Hij schilderde het om boven zijn graf in het klooster Santo Domingo El Antiguo in Toledo te hangen. Daardoor zijn onder de herders ook een zelfportret van de schilder en zijn zoon Jorge Manuel te zien.
Het gekozen onderwerp werd gezien als een metafoor voor opstanding en eeuwigheid. De vormen van de figuren zijn vervormd, een kenmerk van El Greco’s late werken. De contrasten tussen licht en schaduw zijn extra benadrukt om het dramatische gevoel te versterken. De belangrijkste lichtbron is het kindje Jezus, met vanzelfsprekende symbolische betekenis.
El Greco werd pas lang na zijn dood gewaardeerd vanwege zijn gepassioneerde stijl en religieuze thema’s. Hij wordt terecht gezien als voorloper van het expressionisme.
Het Museo del Prado bezit ongeveer negentig schilderijen van Rubens. De kunstenaar werd zeer gewaardeerd door koning Filips IV, die hem veel opdrachten gaf om de koninklijke residenties in Madrid te verfraaien.
Het beroemde schilderij van de Drie Gratiën bleef echter eigendom van de kunstenaar zelf en werd pas na zijn dood door de koning gekocht. Volgens de mythe maakten de Gratiën deel uit van de kring van Aphrodite en symboliseerden ze liefde, schoonheid en sensualiteit. Waarschijnlijk schilderde Rubens dit werk voor eigen gebruik, om het geluk van zijn nieuwe leven na zijn tweede huwelijk te vieren.
Velazquez was bijna veertig jaar hofschilder van Spanje onder Filips IV. Las Meninas is het hoogtepunt van zijn carrière, zowel technisch als conceptueel.
De scène speelt zich af in een kamer van het Alcazar en toont infantin Margarita omringd door haar hofdames en bedienden. Velazquez verschijnt aan de zijkant terwijl hij aan het schilderen is. De spiegel reflecteert het beeld van Margaritas ouders, Filips IV en Maria Anna van Oostenrijk.
De complexiteit van de compositie maakt het werk bijzonder raadselachtig. De meest geaccepteerde interpretatie is dat Velazquez met het genre waarin hij faam verwierf (het portret) zijn professionele status wilde uitbeelden. Schilders werden in Spanje meer als ambachtslieden dan als kunstenaars gezien, maar Velazquez had een prominente positie aan het hof veroverd, waar hij ook curator was van de koninklijke schilderijencollectie. Zo beeldde hij zichzelf symbolisch af in het enige bekende zelfportret binnen het Alcazar, omringd door de koninklijke familie en daarmee het hoogtepunt van zijn carrière tonend.
Het gebruik van een spiegelbeeld is niet nieuw voor Velazquez, denk bijvoorbeeld aan het bekende portret Venus Rokeby. Hier kan ook een verwijzing zijn naar een toen populair thema: illusie, dat werd belicht in Cervantes’ Don Quichot.
Het verhaal van deze twee schilderijen, die meestal naast elkaar worden tentoongesteld, is vrij controversieel. Beide behoorden toe aan Manuel de Godoy, de Spaanse staatssecretaris aan het einde van de 18e eeuw. “La maja desnuda” wordt genoemd in een inventaris van 1800 en was bewaard in een privévertrek in Godoy’s residentie, samen met andere naakten waaronder het beroemde “Venus Rokeby” van Velazquez, dat nu in de National Gallery in Londen hangt.
La maja vestida werd enkele jaren later geschilderd, mogelijk om een inquisitieonderzoek tegemoet te komen nadat de naakte versie was ontdekt, waarna Godoy en Goya werden berecht. Gelukkig had het inquisitoraat toen bijna geen macht meer. De schilderijen werden in beslag genomen en Goya redde zich door te zeggen dat hij zich liet inspireren door de mythologische naakten van Titiaan en de Venus Rokeby.
In werkelijkheid is de Maja geen mythologisch figuur, maar een vrouw uit het volk, zoals ook blijkt uit de eenvoudige kledij in de tweede versie. Vermoedelijk is het een portret van een maîtresse van Manuel de Godoy.
Het beroemde schilderij van Goya, ook wel bekend als 3 mei 1808, veranderde de perceptie van oorlog in de kunst. Het toont de executie van burgers die hadden deelgenomen aan het Spaanse verzet tegen de Napoleontische troepen. Opvallend is het contrast tussen de strak opgestelde executiepeloton, waarvan we de gezichten niet zien, en de chaotische massa slachtoffers. Links liggen de lichamen van reeds geëxecuteerden (één vertoont het dodelijke schot in het voorhoofd). In het midden staan degenen die nog geëxecuteerd moeten worden, waaronder een man met gespreide armen die zich overgeeft. Rechts wacht weer een ongedifferentieerde groep op hun executie.
Oorlog werd tot dan toe meestal met een epische toon afgebeeld. Hoewel wrede taferelen voorkwamen, gebruikten kunstenaars doorgaans de stijl van de grote historische schilderkunst. In Goya’s executie is er niets heroïsch of glorieus. Slachtoffers zijn gewone mensen, de sfeer is pure wanhoop en de executie is een mechanische, herhaalde handeling.
Door zijn vernieuwende vertelwijze beïnvloedde dit werk latere schilderijen, met name Manets Executie van keizer Maximiliaan en Picassos Guernica en Massamoord in Korea.
Openingstijden Museo del Prado
- Reguliere openingstijden:
Maandag tot en met zaterdag – van 10:00 tot 20:00
Zondag en feestdagen – van 10:00 tot 19:00
Let op: Het Museo del Prado is gesloten op 1 januari, 1 mei en 25 december. - Beperkte openingstijden: Op 6 januari, 24 december en 31 december is het Museo del Prado geopend van 10:00 tot 14:00
- Gratis toegang: Bezoekers kunnen op de volgende momenten gratis naar het Museo del Prado:
Maandag tot en met zaterdag – van 18:00 tot 20:00
Zondag en feestdagen – van 17:00 tot 19:00
Toegang tot het museum is mogelijk tot 45 minuten voor sluitingstijd.
Tickets Museo del Prado
